• L'exposition « Elles font l'abstraction » ambitionne d'écrire l'histoire des apports des artistes femmes à l'abstraction au XXème siècle, avec quelques incursions inédites dans le XIXème siècle.
    La plupart des expositions dévolues à l'histoire de l'art abstrait ont souvent minoré le rôle fondamental joué par les femmes dans le développement de cette tendance. Les dernières recherches qu'illustrent les nombreuses monographies et expositions thématiques récentes, permettent de réévaluer aujourd'hui l'importance de leur contribution, tout en questionnant les vieux schémas historiques.
    En se concentrant sur les parcours de ces artistes parfois injustement éclipsées, l'exposition propose d'écrire une autre histoire de l'art, élargie à la danse, aux arts appliqués, à la photographie, au cinéma et aux arts performatifs. Loin d'une simple compilation, l'exposition met en évidence les tournants décisifs qui ont marqué cette évolution, en évoquant aussi bien les recherches entreprises par les artistes, individuellement ou en groupe, que les expositions fondatrices.

  • De Sofonisba Anguissola à Marina Abramovic en passant par Élisabeth Vigée-Lebrun, Camille Claudel et Georgia O'Keeffe, cet ouvrage explore à travers 60 chefs-d'oeuvre, les thèmes, les mouvements et les grands tournants qui ont façonné l'histoire des artistes femmes.
    Susie Hodge raconte les avancées réalisées pour obtenir une parité avec les artistes masculins, les importantes contributions faites aux mouvements artistiques et redécouvre des artistes oubliées ou éclipsées.
    Accessible, concis et richement illustré, le livre nous explique les quand, comment et pourquoi de la reconnaissance des artistes femmes.

  • Mothmeister is the nonstop morphing alter ego of two artistic soulmates based in Belgium, home of surrealism. In their eerie Post-Mortem Fairy Tales, they portray a series of masked, grotesque characters - often accompanied by startling stuffed animals and a variety of curiosa from their private collection.

    Just like in the Victorian era, when deceased loved ones were photographed as a memento for grieving relatives, Mothmeister immortalizes animals in a weird and wonderful fairy-tale world.

    In addition to the numerous eccentric portraits in this book, Mothmeister also reveals a unique look behind the mask: from the duo's intriguing adventures in the world's most abandoned places to their untamed passion for taxidermy, masks and fascinating on-the-road images, exposing their quenchless Wanderlust.

  • Cette introduction vivante raconte l'histoire en constante évolution de l'art abstrait, retraçant son histoire du début des années 1900 jusqu'à nos jours. Émergeant des mouvements occidentaux comme le cubisme et l'expressionnisme, l'art abstrait est rapidement devenu un phénomène mondial qui a changé le visage de l'art moderne et contemporain.
    L'abstrait, pour de nombreux artistes, offre de nouvelles façons de comprendre le monde qui nous entoure. Stéphanie Straine démystifie le travail de plus de soixante-dix artistes innovants du monde entier de Vassily Kandinsky à Emma Kunz et Rana Begum, redonnant leur place aux artistes femmes bien souvent oubliées.
    Une section de référence comprend une chronologie des principales expositions, des suggestions de lectures complémentaires, un glossaire des termes artistiques ainsi qu'un index.
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  • L'exposition « Elles font l'abstraction » ambitionne d'écrire l'histoire des apports des artistes femmes à l'abstraction au XXème siècle, avec quelques incursions inédites dans le XIXème siècle.
    La plupart des expositions dévolues à l'histoire de l'art abstrait ont souvent minoré le rôle fondamental joué par les femmes dans le développement de cette tendance. Les dernières recherches qu'illustrent les nombreuses monographies et expositions thématiques récentes, permettent de réévaluer aujourd'hui l'importance de leur contribution, tout en questionnant les vieux schémas historiques.
    En se concentrant sur les parcours de ces artistes parfois injustement éclipsées, l'exposition propose d'écrire une autre histoire de l'art, élargie à la danse, aux arts appliqués, à la photographie, au cinéma et aux arts performatifs. Loin d'une simple compilation, l'exposition met en évidence les tournants décisifs qui ont marqué cette évolution, en évoquant aussi bien les recherches entreprises par les artistes, individuellement ou en groupe, que les expositions fondatrices.

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  • "J'ai une passion plus ou moins irrésistible pour les livres." Vincent Van Gogh.

    Si Vincent Van Gogh a vécu avec force sa passion de l'art et sa quête religieuse, il a été aussi un fervent lecteur. Cette exploration à la découverte de ses auteurs favoris et de ses livres préférés permet de saisir les liens directs qui unissent sa peinture aux écrivains qui l'ont inspiré.

  • Les femmes ont longtemps été perçues par les artistes comme des objets de représentation et des muses. Aujourd'hui, les artistes femmes ne sont plus obligées de travailler dans l'anonymat ni de prendre des pseudonymes masculins, mais elles sont encore particulièrement absentes des musées et l' interrogation posée par les Guerrilla Girls, en 1989, dans les rues de New York, garde toute sa force : «Les femmes doivent-elles être nues pour entrer au Metropolitan Museum?» Dans cet ouvrage, Flavia Frigeri met en lumière le travail remarquable d'artistes femmes et explore la vie d'une cinquantaine d'entre elles, du XVIe siècle à nos jours, parmi lesquelles Artemisia Gentileschi, Georgia O'Keeffe, Frida Kahlo ou encore Louise Bourgeois.
    Ce guide essentiel comprend en outre une fascinante chronologie des accomplissements réussis par des femmes depuis 1558 ; on y trouvera aussi des suggestions de lectures pour aller plus loin, ainsi qu'un index des artistes femmes du monde entier.

  • Depuis plus de deux mille ans, l'art grec et romain est au coeur de la civilisation occidentale. Cet ouvrage propose les clés de compréhension de l'engouement des artistes antiques qui l'ont créé. Il retrace les innovations audacieuses de ceux qui, défiant la sagesse traditionnelle, ont exploré de nouvelles idées ; il décrit les luttes des sculpteurs et des peintres pour représenter - pour la première fois - la complexité de la forme humaine et la richesse des émotions humaines.
    Les ravages du temps ont tellement anéanti l'art grec et romain qu'il ne semble se composer que de ruines impressionnantes et de fragments brisés. Pourtant, les réalisations créatives des Grecs et leur héritage, tels qu'adaptés par les Romains, n'ont jamais perdu leur pouvoir.

  • Street art

    Simon Armstrong

    Des tunnels de métro et ruelles sombres aux foires d'art internationales les plus hypes, le street art est devenu un phénomène mondial. Simon Armstrong explore ses fondements et montre l'influence durable de la culture du graffiti des années 1960 à Philadelphie et des années 1970 à New York sur le street art d'aujourd'hui.
    Il décrit les relations complexes de la pratique face aux graffitis, aux lois, au marché de l'art et à la gentrification à mesure qu'elle évolue et qu'elle adopte de nouveaux matériaux, styles et techniques. Ce livre regroupe de nombreux artistes parmi les plus importants de la sous-culture, des premiers tagueurs, dont Taki 183, les rois Dondi et SEEN de New York, en passant par Shepard Fairey, Banksy, Invader, Miss Van et Vhils. La créativité exubérante du street art apporte de la couleur et de l'énergie aux espaces publics du monde entier et continue de défier notre façon de penser et de voir.

  • Cette anthologie présente des planches illustrées d'anatomie, révélant comment les secrets du corps ont fasciné les savants, les artistes, mais aussi les profanes. De la Renaissance jusqu'au XXe siècle, les croyances et les savoirs sur le sujet ont évolué de manière spectaculaire. Ce livre retrace l'incroyable diversité des représentations anatomiques, et leurs implications sociales, scientifiques, philosophiques et artistiques. Tous les artistes ont étudié l'anatomie afin de toucher de plus près la vraisemblance de leurs personnages. Elles sont présentées non pas par ordre chronologique, mais organisées en fonction des parties du corps ou de ses systèmes, pour mieux souligner la richesse des approches métaphoriques ou artistiques, et les différents styles utilisés pour comprendre et représenter le corps humain.

  • Impressionnisme

    Ralph Skea

    On oublie souvent à quel point les toiles impressionnistes ont semblé provocantes lors de leur première exposition en 1874, à Paris. Par les coups de pinceau rapides et les couleurs utilisées, les impressionnistes peignant au grand air, ont capturé les effets fugitifs de la lumière et leurs ressentis. De ce fait, ils ont rejeté les principes de l'art établis qui prévalaient à cette époque en France. Ralph Skea montre comment les artistes impressionnistes ont su transformer le quotidien en sujet, et retrace le mouvement depuis ses origines en France jusqu'à son expansion aux États-Unis et en Australie. Le choc initial de l'impressionnisme a progressivement laissé place à une acceptation puis à une popularité mondiale. Son impact a également profondément marqué l'art moderne.

  • Lancé par le poète André Breton, le surréalisme est un mouvement littéraire et artistique devenu l'un des plus populaires du XXe siècle. Les artistes surréalistes se sont démarqués en laissant parler leur inconscient, leurs rêves, et, guidés par le seul hasard, ils ont créé des juxtapositions étranges d'objets et de mots sans rapport. Ils ont réalisé ces créations sur une multitude de supports et de matériaux, de Meret Oppenheim et sa surprenante tasse recouverte de fourrure au jardin fantastique d'Edward James, Los Pozas, situé au coeur de la forêt tropicale mexicaine.
    Dans cet ouvrage, Amy Dempsey présente les figures incontournables du mouvement, leurs oeuvres et les lieux où les découvrir, et explore également les codes du surréalisme et l'héritage qu'il a laissé.
    Ce guide essentiel comprend un glossaire indispensable, une chronologie des moments marquants du surréalisme et des suggestions de lectures pour aller plus loin.

  • Dans ce guide pratique consacré à l'art-thérapie, Julie Hamez propose de suivre un atelier créatif par semaine, tout au long de l'année. L'auteure y tient : l'art-thérapie ne consiste pas seulement à colorier des mandalas ! Pas besoin non plus d'être le prochain Van Gogh pour vous lancer : de la peinture au poème, en passant par la bande dessinée et la rédaction d'une carte postale adressée à vous-même, suivez les conseils de l'art-thérapeute et les étapes de chaque séance afin de créer votre propre oeuvre, tout en lâchant prise et en découvrant vos blocages pour mieux les transcender. Chaque atelier est suivi d'une tranche de vie récoltée par l'auteure lors des séances d'art-thérapie qu'elle a prodiguées par le passé, comme autant d'exemples de créativité.

  • Faussaires illustres

    Harry Bellet

    40 % des oeuvres du Metropolitan Museum de New York sont des faux. C'est du moins l'opinion de son ancien directeur, Thomas Hoving. Après enquête, on se demande s'il n'est pas en-deçà de la vérité. Huit scandales mettant en scène de tristement célèbres faussaires sont racontés ici, pour lutter contre deux idées : non, il n'existe pas de "génie" du faux (sauf ceux qu'on n'a pas attrapés) ; oui, il y en a partout, et ils sont très difficilement détectables...

  • Un numéro estival qui vous invite à prendre l'air, d'est en ouest, du nord au sud, dans les terres ou sur la côte, en ville ou en pleine nature, aménagez-vous des plages de découvertes et de détente.

  • L'homme en croix, qui fut entre Ve et XIXe siècle le symbole identitaire du christianisme, est désormais l'un des sujets-symboles les plus universels qui soient, dans toutes les formes d'art de tous les continents. Il échappe à tout contrôle ecclésiastique ou politique, est la cible de toutes les dérisions et bricolages, et aussi l'outil rhétorique le plus éloquent pour dénoncer les maltraitances infligées à des populations ou à des personnes assimilables dès lors à des « crucifiées ».

    Cet ouvrage est une somme jusqu'à présent inédite, qui retrace l'histoire artistique, mais aussi intellectuelle,théologique et spirituelle, et pour les deux derniers siècles, politique et sociale, de ce sujet.

    Il s'adresse à tous ceux qui voudraient établir des liens rigoureux et éclairants entre la Crucifixion et la culture, de siècle en siècle et de lieu en lieu, et se faire une idée de la diffusion sans équivalent de ce sujet, non seulement en Europe et dans les Orients chrétiens, mais dans les continents hors d'Europe. Il comble un manque, celui d'une synthèse récente et bien documentée, en répondant aux critères de qualité et aux exigences informatives des sciences humaines, et avant tout à celles que requièrent les différentes facettes de l'histoire comparée des confessions chrétiennes, des religions et des civilisations, de l'histoire de l'art ou de l'histoire du dogme chrétien et de son interprétation.

    Il n'existait aucun livre de synthèse de ce genre. La précédente somme sur le sujet a été publiée à Nantes en 1959, avec des reproductions en noir et blanc, l'enquête s'arrêtant au Concile de Trente. Tous les livres sur la crucifixion parus depuis se limitent à un espace-temps restreint, ou à des survols.

  • Déployés sur quatre continents, les bâtiments construits par Le Corbusier entre 1907 et 1965 n'avaient jamais été embrassés par l'objectif d'un photographe aussi attentif à leur présence dans le paysage qu'au grain fin de leur texture. Pendant près de dix ans, Richard Pare a arpenté les routes du monde, sachant ouvrir les portes des édifices inaccessibles au public et de ceux voués au secret de l'intimité familiale.
    L'invention de Le Corbusier apparaît dans toute sa diversité, des chalets suisses subvertis par l'Art nouveau, qu'il construisit encore presque adolescent, aux grands portiques de béton armé du Capitole de Chandigarh, où sa production tend au monument. Tel cette promenade architecturale à laquelle il a attaché son nom, le récit visuel conduit des intérieurs poétiques des villas puristes et de la pénombre des églises de Ronchamp et de La Tourette aux étendues écrasées de soleil du Pendjab.
    Nulle image idéale ou hiératique dans les vues de ces quelque soixante bâtiments, car Richard Pare a su saisir le jeu des saisons et des cycles quotidiens, et révèle combien l'usage - parfois sacrilège - et l'usure du temps ont patiné le bois, la brique et jusqu'au béton, dont les souffrances muettes sont mises à nu.

  • La couleur est comme l'air qu'on respire, elle est partout : des affiches publicitaires aux feux de signalisation, des tendances de la mode au langage des fleurs, dans l'art, le design et la décoration d'intérieur...
    Mais connaissez-vous la signification des couleurs ? Saviez-vous qu'elle diffère selon les cultures et même les époques ? Qu'est-ce que le mouvement impres sionniste doit à la chimie ? Le blanc est-il une couleur ? Le bleu est-il votre couleur préférée, à vous aussi ?
    Amandine Gallienne déploie une palette de 100 mots pour raviver notre regard. En coloriste de métier, elle donne quelques bons conseils pour accorder les couleurs, maîtriser les codes afin de mieux les dépasser. Un seul mot d'ordre : amusez-vous !
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  • Les cafés ont joué un rôle essentiel dans l'histoire des idées depuis leur fondation dans l'Arabie heureuse, leur épanouissement à Constantinople et leur introduction en Europe au cours du XVIIe siècle. Appelés « Écoles du savoir » au coeur de l'Empire ottoman, devenus à Londres, à Venise, à Paris de véritables bureaux académiques, à la fois parlements improvisés, bureaux de presse, cénacles poétiques, clubs politiques, tribunes idéologiques, centres nerveux des avant-gardes, les cafés s'affirment pendant plusieurs siècles les indispensables laboratoires des utopies et des révolutions. Ce livre retrace l'histoire et les légendes de ces cafés. Du Procope à Paris au Café Royal à Londres, du Caffè Florian à Venise au Pombo de Madrid, du Slavia à Prague au Café Central de Vienne, du Brasileira de Lisbonne au New York de Budapest, ce livre est une invitation au voyage dans les lieux où sont nées et ont circulé les idées de notre modernité.
    Une documentation exceptionnelle a été réunie par Gérard-Georges Lemaire qui s'est passionné pour ce sujet et a organisé sur ce thème de nombreuses expositions.
     

  • Premier mouvement d'avant-garde du XXe siècle, le futurisme est fondé en janvier 1909, Milan, par l'écrivain Filippo Tommaso Marinetti. Ce mouvement révolutionnaire veut instaurer une nouvelle approche du monde en général et de l'art en particulier en repensant l'homme dans sa confrontation avec la machine, la vitesse et la technologie. Etre futuriste signifie poursuivre la régénération continue de toute chose, c'est-à-dire rechercher la plus totale adéquation de la vie humaine à la logique du devenir. Aussi les futuristes inventent-ils mots en liberté, musique des bruits, sculptures cinétiques, assemblages plastiques mobiles, sonores et abstraits, architecture du verre, du fer et du béton, art du mouvement, danses plastiques, théâtre abstrait, tactilisme, jeux simultans, pour réinventer, par l'art, la vie au quotidien : mode, design, jouets, communication postale, création graphique, typographie, meubles, sport, cuisine, comportement, sexualité, etc... Le futurisme, avant de se compromettre en grande partie avec le régime fasciste, deviendra un modèle de référence pour les avant-gardes des années dix et vingt : le cubo-futurisme français et le constructivisme russe, le modernisme brésilien, l'ultrasme espagnol, le vorticisme anglais, l'électricisme suédois, l'ardentisme mexicain, l'activisme hongrois, le formisme polonais, etc., sans parler du dadaïsme et du surréalisme. On retrouvera dans la plupart de ces mouvements, la manière futuriste, la stratégie du manifeste et des "soirées", l'organisation de spectacles, la projection de l'action culturelle au sein même du corps social. Le rôle historique du futurisme fut immense, car son exemplarité en fit le paradigme de ce qu'on a appelé "le siècle des avant-gardes".

  • Le projet est né de l'écriture d'une rubrique publiée sur le site Vents-contraires.net du Théâtre du Rond-Point.

    Une galerie de portraits d'artistes décalés, à la vie et au destin hors du commun. Ces textes d'hommage mêlent poésie du quotidien, souffle lyrique et humour. Un livre qui donne envie d'en savoir toujours plus sur ces artistes au destin souvent tragique.

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